Pages

Ни один художник не бывает художником изо дня в день, все двадцать четыре часа в сутки; все истинное непреходящее, что ему удается создать, он создает лишь в немногие и редкие минуты вдохновения.
Стефан Цвейг

августа 22, 2008

Cezanne mini. Сельский пейзаж с полями.

Решила я попробовать себя в жанре миниатюры. А решила собственно потому, что из отпуска привезла набор из пяти мини-холстиков и такой же мини-мольберт. На фото результат первого эксперимента. Вдохновил меня на это произведение господин Сезанн.
С технической точки зрения все оказалось не слишком сложно. Писала кистями единичками и нулёвками, щетиной и колонком. Темперу немного разводила, чтобы легче ложилась на холстик. Главным оказалось устроиться поудобнее, так чтобы руки лежали на столе и не уставали.

Осталось еще четыре холстика. Есть идея сделать мини-серию, мини-картин:)

Сельский пейзаж с полями. По мотивам Сезанна. Миниатюра.
Темпера ПВА, холст на подрамнике, 5х7см
2008г.

августа 14, 2008

"Школа мусорного ящика" (The Ashcan School)


Эш кен Скул (The Ashcan School) или "Школа мусорного ящика" - реалистическое направление в живописи, возникшее в США в начале ХХ века. Отличительной чертой направления являются сюжеты, отражающие повседневную жизнь бедных кварталов Нью-Йорка. Это направление в американской живописи тесно связано с так называемой "Восьмеркой" - группой художников, объединявшей пять основных представителей Эш Кен Скул: Роберта Генри, Вильяма Глакенса, Джорджа Лукса, Иверетта Шинна и Джона Слоана, а так же еще трех художников Мориса Прендергаста, Эрнеста Лоусона и Артура Б. Дэвиеса.
Начало ХХ века ознаменовалось бурным ростом американских городов. Заполненные клерками и рабочими, владельцами магазинов и иммигрантами, города расширялись и расползались, захватывая все новые территории.
Энергия и многообразие городской жизни привлекли художников, которые стали революционерами американского искусства. Эти художники вошли в историю как "Восьмерка". И хотя как группа они выставлялись лишь однажды, в 1908 года, за несколько лет до легендарного Armory Show, их выставка взбудоражила публику.
Сойдя с проторенной дорожки традиционной светской живописи, "Восьмерка" изображала улицы, машины, мужчин за работой, женщин на отдыхе, и со временем их персонифицированный реализм получил прозвище "школа мусорного ящика".
Роберт Генри - учитель четырех из восьми художников, вошедших в группу, настаивал, что художник должен "создавать картины из окружающей жизни". И жизнь города проносилась перед глазами художников, а не замирала в одной стесненной позе. Она была то грубой то ласковой, то унылой то радостной. Город для них был, как сказал Джон Слоан, "вселенской палитрой, где цвета изменялись, стоило лишь перейти на другую сторону улицы".
"Забудьте про искусство и пишите то, что интересно вам в жизни", - говорил Роберт Генри на своих занятиях. Конечно, лучшие из его учеников не забыли об искусстве, но писали они смело и совершенно по-новому. Они искали сюжеты своих картин на городских улицах. Джон Слоан предпочитал неприглядные рабочие кварталы элегантности пятой авеню. Он наслаждался "гнетущей, захудалой, счастливой, грустной и такой человеческой" жизнью, что обнаружил там.
Основатели Эш Кен Скул взбунтовались против светского американского импрессионизма. (Нечто подобное случилось и в Европе, вспомнить хотя бы Тулуз-Лотрека). Их работы в большинстве своем темные по тону, выхватывали спонтанные моменты жизни и часто изображали проституток, пьяниц, перенаселенные многоквартирные дома с бельем на веревках, боксерские матчи и борцов.
Это были частые, хотя и не единственные, сюжеты их картин. Заостренное внимание художников на нищете и городских буднях стало причиной, по которой американские критики современники «Восьмерки» оттеснили Эш Кен Скул на обочину искусства.
Стремление художников изображать обычных людей и привычную обстановку было лишь отчасти обусловлено занятиями и влиянием Роберта Генри. Для Гланкса, Лукса, Шинна и Слоана это в большей степени объяснялось их опытом работы иллюстраторами в «Филадельфия пресс». Все события за день: убийства, пожары, парады, - находили свое отражение в их быстрых и точных рисунках. Натренироанный взгляд художников с легкостью запечатлевал сцену длившуюся несколько мгновений. Отбрасывая ложную прелесть, они улавливали самую суть настроения города, как никто из американских художников до них.
Как уже отмечалось, Эш Кен Скул не было организованной группой. Впервые термин «ash can» относительно движения в искусстве употребил Арт Йанг в 1916 году, в дальнейшем термин стал использоваться в связи с группой художников, включавшей Генри, Гланкса, Эдварда Хоппера (ученика Генри), Шинна, Слоана, Лукса, Джорджа Беллоуза (так же студент Генри), Мэбл Дуайт и других, в том числе фотографа Якоба Рииса, среди сюжетов которого тоже часто фигурировали окраины Нью-Йорка. Включение в группу Хоппера (от которой он позже отрекся) может показаться несколько ироничным: его изображения городских улиц практически полностью свободны от привычных деталей, не говоря уже о случайных мусорных баках.

Фотографии картин использованные в статье:
1. Robert Henri (born Robert Henry Cozad) (American, 1865-1929), The Laundress, c. 1910, oil on canvas, Phoenix Art Museum
2. George Wesley Bellows (American, 1882-1925), Stag at Sharkey's, 1909, oil on canvas, 36 1/4 x 48 1/4 inches (92 x 122.6 cm), Cleveland Museum of Art
3. George Wesley Bellows, Cliff Dwellers, 1913, oil on canvas, 40 1/8 x 42 inches (101.9 x 106.7 cm), Los Angeles County Museum of Art
4. Everette Shinn (1876-1953) Dancer in White Before the Footlights, 1910; retouched, 1954, oil on canvas, 35 X 39" (88.90 X 99.06 cm.)
5. John Sloan, Sunday, Women Drying Their Hair, 1912, oil on canvas, 25 1/2 x 31 1/2 inches, Addison Gallery of American Art, Phillips Academy, Andover
6. William Glackens (American, 1870-1938), Family Group, 1910 or 1911, oil on canvas, 72 x 84 inches, National Gallery of Art, Washington
7. Edward Hopper, Nighthawks 1942, oil on canvas 84.1 × 152.4 cm, Art Institute of Chicago, Chicago


В статье использовались материалы с сайтов:
http://www.sohoart.com/ashcan.htm
http://en.wikipedia.org/wiki/Ashcan_School
http://www.artlex.com/ArtLex/a/ashcan.html

августа 13, 2008

Роберт Генри

Роберт Генри (25 июня 1865 - 12 июля 1929) - американский живописец, лидер движения "Ashcan School" в американском изобразительном искусстве начала XX века и талантливый педагог.
Art cannot be separated from life. It is the expression of the greatest need of which life is capable, and we value art not because of the skilled product, but because of its revelation of a life's experience.
Robert Henri
Роберт Генри, урожденный Роберт Генри Козад появился на свет в городке Цинциннати штата Огайо. Его отец Джон Джексон Козад занимался застройкой земельных участков, и семья часто переезжала с места на место.
В 1873 Козады обосновались в Небраске, где глава семейства начал строительство города Козад.
В октябре 1882, между Джоном Козадом и Альфредом Пирсоном местным владельцем ранчо произошла крупная ссора. Спор перетек в физическую расправу и Козад застрелил Пирсона. Впоследствии, Джон Козад был оправдан, но расположение жителей города он вернуть так и не сумел и предпочел перебраться в Денвер штат Колорадо, где вскоре к нему присоединилась его семья. Чтобы окончательно порвать связь с неприятными событиями в Небраске, все члены семьи взяли новые имена. Отец стал известен как Ричард Генри Ли, а его сыновья Джонни и Роберт, выдаваемые семьей за приемных детей, изменили имена на Фрэнка Саузена и Роберта Эрла Генри.
Вскоре после этого семья вновь переехала сначала в Нью-Йорк, а потом в Атлантик-Сити штат Нью-Джерси. Там юный художник написал свои первые работы и, воодушевленный одобрением друзей, задумался о получении специального образования. Надо заметить , что Козады состояли в дальнем родстве с известной американской художницей Мэри Кассат.
В 1986 Генри поступил в Пенсильванскую Академию Изобразительного Искусства в Филадельфии. Программа обучения была чрезвычайно насыщенной и включала в себя изучение анатомии, рисование, композицию, живопись и моделировку человеческого тела. Генри упорно совершенствовал свои навыки, вызывая восхищение у своего учителя Томаса Аншульца.
Через два года обучения в Академии Генри пришел к выводу, что должен посетить Европу. Без этого его образование будет неполным. И в 1888 он отправился в Париж, где поступил в Академию Джулиан на курс Адольфа-Вильяма Бугро. В это же время Генри увлекся импрессионизмом. Вскоре молодой художник был принят в Парижскую Школу Изящных Искусств – самое престижное и уважаемое образовательное учреждение в сфере искусства.
В конце 1891 года Генри вернулся в Филадельфию, где продолжил обучение у Роберта Вонноха в Пенсильванской Академии. А через год сам начал преподавать в Филадельфийской Женской Школе Дизайна.
В Филадельфии у Генри появились друзья и последователи среди молодых художников. Они встречалась в его студии за разговорами об искусстве, философии и политике. Особое внимание в этих беседах Генри уделял вопросу о роли художника в американском обществе. Он полагал, что всякий серьезный художник должен разрабатывать свои собственные средства выражения, а не подстраиваться под действующие эстетические нормы.
Среди посещавших эти еженедельные диспуты было несколько иллюстраторов из газеты "Филадельфия пресс", которые в будущем стали известны как "Филадельфийская четверка": Вильям Глакенс, Джордж Лукс, Иверетт Шинн и Джон Слоан. Несмотря на то, что трое из них обучались в Академии, они не стремились к карьере профессиональных художников в дальнейшем. Но Генри заразил их своим энтузиазмом и вдохновением. За это время он переосмыслил свое отношение к импрессионизму, и стал называть его "новым академизмом".
Следующие несколько лет жизни Роберта Генри прошли между Филадельфией и Парижем, где он познакомился с канадским художником Джеймсом Моррисом. Моррис поделился с Генри опытом создания набросков на миниатюрных деревянных дощечках, которые вместе с небольшим набором кистей и красок легко умещались в кармане пальто. Такой способ значительно облегчил процесс мгновенной зарисовки сцен повседневной городской жизни, которые в дальнейшем стали ассоциироваться со зрелым стилем художника. Была и еще одна причина, по которой Генри проводил столько времени в Париже. Художник полагал, что американцы, по сравнению с французами, в особенности парижанами, были не столь восприимчивы к его работам. И чтобы добиться признания в Америке, требовалось сначала показать себя состоявшимся художником в Париже. Это Роберту Генри, без сомнения, удалось. В период с 1896 по 1899 четыре его картины были приняты парижским Салоном. А французское правительство купило его картину "Снег" ("Snow in New York") и выставило ее в Люксембургском музее.
В 1902 Роберт Генри продолжил свою карьеру педагога в Нью-Йоркской Школе Искусств, а затем открыл собственную школу. Среди его учеников были Эдвард Хоппер, Роквелл Кент, Джордж Беллоуз, Норман Раебен и Стюарт Дэвис. Генри был отличным педагогом, его ценили и коллеги, и ученики. Даже Национальная Академия Дизайна – оплот консерватизма, несмотря на разногласия во взглядах на искусство, признала Генри и выставляла его работы. Но когда художникам из его группы отказали в праве участия в ежегодной выставке Академии, он забрал свои работы и покинул жюри, решив организовать собственную выставку. В дальнейшем Генри отзывался об Академии не иначе как о "кладбище искусства".
В феврале 1908, он организовал выставку, названную "Восьмерка" (в честь восьми художников принимавших в ней участие). Выставка состоялась в галерее Макбет и стала знаковым событием. Кроме самого Генри и "Филадельфийской четверки" (к тому времени перебравшейся вслед за художником в Нью-Йорк) в выставке приняли участие Морис Прендергаст, Эренст Лоусон и Артур Б. Дэвиес. Оглушительный успех сопровождал выставку с момента ее открытия, и вызван он был не только публичностью мероприятия, которую обеспечила «Филадельфийская четверка». Точность и жизненность, с которыми было отображено на холстах американское общество и его будни – вот что вызвало такой глубокий отклик публики. Выставку посетили более 7,000 зрителей, а доход от продажи картин составил примерно $4,000. Реакция критиков была неоднозначной. Одни из них сочли темы работ грубыми и вульгарными, а художников упрекнули в отсутствии техники. Другие, наоборот, дали высокую оценку мастерству и правдивости в изображении жизни разных социальных классов общества, равно как и авторской индивидуальности, не ограниченной консерватизмом Академии.
Впоследствие, и эта выставка, и художники, участвовавшие в ней, стали прочно ассоциироваться с Ashcan School («Школа мусорного ящика»), хотя сам термин окончательно закрепился лишь в 1934 году.
В 1910, Генри организовал "Выставку Независимых Художников", и подобно французскому "Салону Отверженных" на ней не было ни жюри, ни призов. В выставке принял участие Уолт Кун, позже сыгравший ключевую роль в Armory Show - выставке 1913 года, впервые представившей американской публике авангардное европейское искусство. На Armory Show были выставлены и пять картин Роберта Генри.
С 1915 по 1927 Генри был популярным и весьма влиятельным человеком в Студенческой Лиге Искусства Нью-Йорка. Его идеи, концепции и взгляды на искусство были собраны его бывшей ученицей Марджери Раирсон и изданы в книге "Дух искусства" ("The Art Spirit", Philadelfia, 1923).
Весной 1929 Совет Искусств Нью-Йорка выбрал Роберта Генри одним из трех великих живущих американских художников. Через несколько месяцев, летом того же года художник скончался от рака. Спустя два года в музее Метрополитан была открыта мемориальная выставка в честь Роберта Генри.

Фотографии картин Роберта Генри можно увидеть здесь.

Фотографии картин использованные в статье:
Автопортрет. 1903 г. Университет Небраски-Линкольна.
Девушка сидящая на берегу моря. 1983 г. Коллекции Маргарет и Рэймонда Хоровитц.
Снег в Нью-Йорке. 1902г. Национальная галерея искусства. Вашингтон.

В статье использованы материалы с сайтов:
http://en.wikipedia.org/wiki/Robert_Henri
http://www.tfaoi.com/aa/3aa/3aa432.htm

августа 06, 2008

Финские зарисовки



"Этюд. Airaksela (Финляндия)" - вторая работа написанная мной во время поездки. Работа выполнена в технике "A La Prima", т.е. за несколько приятных часов на верхней террасе коттеджа:)
Этюд увековечил ухоженные поля трудолюбивого финского фермера, живущего в местечке Airaksela, а если быть точнее, Alatalo. Сельская тишина и сдержанная красота северной природы, свежий воздух и непуганные зайцы, бодро расекающие по полям. Этюд возник как-то сам собой, что-то вроде маленького сувенира из поездки. В нем нет претензии на серьезность или академичность, это просто несколько часов отдыха души вылившихся на холст.

Спасибо всем, кто был рядом со мной те две замечательные недели:)

Этюд. Airaksela (Финляндия).
2008г.
Темпера ПВА, холст на картоне, 24 х 18см
.

августа 04, 2008

Аромат северного лета


Незатейливый, но радующий глаз букетик полевых цветов. Этот этюд был написан легко и непринужденно за несколько часов. Лето, отпуск - все располагает к творчеству:) Свежие цветы в простой стеклянной вазе на залитой солнцем террасе. Ромашки, клевер, таволга... аромат северного лета.

Этюд. Летний букет.
2008г.
Темпера ПВА, холст на оргалите, 25 х 16см.
Работа находится в частной коллекции.

июля 11, 2008

Каппадокия



Идея этой работы возникла из небольшого телевизионного ролика с канала Discovery. Ролик посвящен Каппадокии и воздушным шарам, полеты на которых там очень популярны. Популярность эта объясняется очень просто: с высоты птичьего полета открываются великолепные виды на перибаджалары ("каменые столбы") и пещерные монастыри.
При создании картины я не ставила перед собой задачи детально воспроизвести местность. Это скорее собирательный образ, мое личное впечатление от увиденного. Возможно поэтому в картине присутствует легкая нотка сюрреализма.

"Каппадокия"
2008г.
Темпера ПВА, холст на картоне, 20 х 40см.
Цена 5 000 руб.

июля 03, 2008

Творческий кризис...


Почти месяц бесплодных блужданий в лабиринте сюжетов, и вот оно озарение от случайно увиденного 30-ти секундного телевизионного ролика. Вдохновение, пойманное буквально за самый кончик хвоста.
Жить с ощущением того, что если ты сейчас возьмешься за кисти, то в лучшем случае не получится ничего, а в худшем отвратительная плоская мазня, весьма неприятно. Преодолевать подобные приступы творческого кризиса, а время от времени они со мной случаются, волевым усилием я пока не научилась. Все попытки взяться за кисти и краски в принудительном порядке, авось вдохновение придет в процессе, заканчиваются плачевно. В такие периоды, когда я смотрю на свои законченные работы у меня возникает лишь один вопрос "Как я это сделала?". Кажется, будто руки забыли все, что умели, а глаза видят "в режиме фотосъемки".
Лучшее, что можно сделать в такие моменты это элементарно подождать, отложить мольберт, краски и кисти и расслабиться. Вдохновение приходит, нежданно-негаданно (почти как любовь:)) Все встает на свои места, окрашивается в нужные цвета и свет ложится именно так, как надо. Такое не пропустишь! И словно иголочки зашевелились в кончиках пальцев, а перед глазами она - будущая картина. Еще такая хрупкая, еще не родившаяся, но уже живущая на кончике моей кисти!
Есть идея, есть сюжет, ищу материал и приступаю. Вдохновение снова со мной!

июня 23, 2008

Художественные материалы в Петербурге.

В данной статье привожу перечень известных мне магазинов в Петербурге, где можно приобрести товары для художников. В примечаниях изложен мой личный опыт и впечатления от посещения магазинов. В дальнейшем по мере появления новой информации статья будет обновляться.

Прошу не считать мое мнение истиной в последней инстанции, рекламой или анти-рекламой.

"АРТ ГОРОД"
Адрес: 6-ая линия, 27 (вход с линии, в глубине магазина, за интернет кафе)
Телефон: 323-08-59
Примечание: Небольшой магазин, сложно найти с первого раза. Хороший выбор красок завода "Невская палитра". В продаже бывают холсты на подрамнике и картоне круглой, овальной и других "экзотических" форм. Маленький, но полезный магазин.

"Художник"
Адрес: ул. Сердобольская, д.68
Время работы: 10-21
Телефон: 295-95-16
Сайт: http://www.artpaints.ru
Примечание: Магазин от завода красок "Невская палитра". В связи с этим практически всегда очень широкий ассортимент красок (в наборах и штучно): масло, темпера, акрил, акварель, гуашь. Цены на краски одни из самых низких в городе. Встречаются дефицитные аксессуары, которые в других магазинах уже могли закончиться (н/п кистемойки с держателем для кистей, настольные мольберты-треноги, зажим для натяжки холста). При покупке от 1000руб. предлагается накопительная дисконтная карта (первоначальная скидка 3%).

"Салон художника" (1)
Адрес: Невский пр., д.3 (вход со двора)
Время работы: пн.-сб. 10-20, вс. 11-20
Телефон: 312-44-34
Примечание: Магазин небольшой, немного тесный. Слабое освещение. Широкий ассортимент холстов, подрамников, грунтов, пигментов, кистей. Большой выбор готовых паспарту и возможность изготовления на заказ. Поштучная продажа пастели и пастельных карандашей. Продавцы знают особенности своего товара и могут грамотно проконсультировать. Студентам предлагается скидка. Во время городских праздников, проходящих на Невском проспекте, магазин закрыт.

"Салон художника" (2)
Адрес: Большая Морская ул., д.23/12 (вход со двора, в том числе и с Гороховой ул.)
Время работы: 10-19:30 (кроме вс.)
Телефон: 571-67-47
Примечание: Более удобная планировка помещения. Хорошее освещение. Ассортимент тот же, что и в "Салоне художника" на Невском.

"Черная речка" (1)
Адрес: Невский пр., д.110 (вход со двора)
Время работы: 11-20
Телефон: 275-78-72
Сайт: http://www.artmaterial.ru
Примечание: Магазин небольшой, но в целом дельный. Очень большой выбор штучно продающихся пастельных и акварельных карандашей Derwent (Англия), а также пастели: сухой и масляной Rembrant (Голландия) и сухой Olki (Россия). В наборах эти материалы представлены так же достаточно широко. Но пастель Faber Castle не продается. Хорошая линейка тонированной бумаги для пастели. Большой выбор грунтованных холстов на подрамнике и на картоне различных размеров, но отдельно холстов и подрамников нет. В ассортименте отсутствуют материалы для росписи по стеклу и ткани. Часто весьма ограниченный цветовой ряд темперных красок. Широкий спектр акварельных красок в наборах. Хороший выбор кистей; отечественные, немецкие, голландские. Большой плюс в том, что они стоят в доступном для покупателя органайзере, и их можно выбирать самостоятельно. К сожалению продавцы не склонны консультировать покупателей, особенно тех кто вообще не разбирается в свойствах материалов. Так девушке, покупающей темперу, чуть не продали для нее беличьи кисти. Мужчине, выбирающему пастель, никто не пытался объяснить, что она бывает сухая и масляная, и в чем разница между импортной и отечественной. Справедливости ради, надо заметить, что не все продавцы грешат подобным образом. Девочки-студентки обычно в состоянии дать грамотную рекомендацию.

"Черная речка" (2)
Адрес: Звенигородская ул., д.4
Время работы: 11-20
Телефон: 713-32-60, 713-53-42
Сайт: http://www.artmaterial.ru
Примечание: Магазин больше по размеру и ассортименту товара, чем на Невском пр. В продаже есть товары для росписи по стеклу и ткани. Широкий выбор холстов и подрамников.

"Fine Art"
Адрес: Соляной переулок, дом 16/4
Телефон: +7 (812) 579-99-46
Примерное расположение: напротив Художественно-Промышленной Академии
Сайт: http://www.cosyma.ru/applications/catalog/catalog.php

"Акварель"
Адрес: ст. м. Пионерская, аллея Поликарпова, д. 2 (угол аллеи и Коломяжского проспекта)

КИОСК ООО "БЛИК"
Адрес: Чайковского ул., 3
Телефон: 2736180

Универмаг Большой Гостиный Двор
Адрес: Садовая линия, 1 этаж
Примечание: Единственное известное мне место в городе, где представлена столь широкая линейка продукции компании Faber Caslte (Германия): пастель, пастельные и акварельные карандаши (продается только в наборах). Кроме того, достаточно богатый выбор чешской пастели (так же только в наборах). Штучно продается только масляная пастель "Van Gogh " (Голландия). Хороший ассортимент бумаги. Неплохой ассортимент масляных, темперных, акриловых и акварельных красок (штучно и в наборах). Неплохо представлена линейка продукции для хобби и домашнего декорирования (краски для росписи по ткани, дереву, стеклу). Ассортимент холстов (в продаже есть только грунтованные натянутые на подрамник или на картоне) очень невелик. Часто их не бывает вообще. Кисти выбирать неудобно, но в целом из чего выбрать есть. По ценам не сильно дороже, чем в специализированных магазинах. Консультироваться у продавцов бесполезно, в особенностях своего товара разбираются очень слабо.

Obi
Адреса:
ОБИ Дыбенко, + 7 (812) 335-30-00
ОБИ Парнас, + 7 (812) 380-00-60
ОБИ Лахта, + 7 (812) 335-33-40
ОБИ Космонавтов, + 7 (812) 336-85-55
Отдел декора.
Примечание: Множество товаров для хобби и домашнего декора. Краски для росписи по стеклу, дереву, ткани. Встречается холст на картоне. Кисти представлены ограниченно.

июня 10, 2008

За один вдох...

Все работы пишутся очень по-разному. Что-то идет легко и быстро, что-то рождается в муках. Но бывают и такие работы, что пишутся на одном дыхание. "Сирень" стала одной из них. Делая этот этюд, я писала свободно как никогда.
Это потрясающее ощущение. Все идет само собой. Краски выдавливаются на палитру, кисть набирает сразу несколько цветов и на холст ложится переливающийся мазок. Нет никаких лишних мыслей, сомнений, исправлений. Просто мазок за мазком ложатся на холст, и рождается образ.
Наверное, не всякую картину можно писать следуя такому порыву. Все-таки многие моменты в живописи требуют продуманности: композиция, сочетание цветов. Но с другой стороны, подобные порывы раскрепощают. Что очень полезно и в особенности для начинающего художника. Это в некотором смысле сравнимо с ездой на велосипеде. В начале, пока учишься, все внимание сконцентрировано на руле и педалях, но научившись, начинаешь видеть, где едешь, и что вокруг.
Надеюсь, со мной это произошло не последний раз, ибо ощущение действительно потрясающее.

Работа оформлена и продается.
Темпера, холст на картоне, 15х24см.
Цена: 1000руб.

июня 05, 2008

Подсолнухи. Рынок в Экс-ан-Прованс.


В продолжение темы прованса, рынка и импрессионизма...
В основу этой работы легла фотография уже однажды упомянутого мной рынка в Экс-ан-Провансе. Но это не продолжение, не возвращение и не серия. Я не ставила задачи сделать парную картину к "Цветочному рынку". "Подсолнухи" самостоятельная работа, обладающая своим особым настроение. Яркие, словно лучащиеся головки самых солнечных цветов, гора спелых, налившихся помидоров, тугие пучки свежей зелени. А за прилавком пусть уже и не мадмуазель, но все еще вполне сочная мадам. Причудливая шляпка, напомаженные губы и подрумяненные щеки, яркое синее платье явно выдают в ней сельскую кокетку. Но взгляд ее задумчив, и кто знает, как далеко улетели ее мысли от прилавка, окутанного ароматами базилика и спелых помидоров пригретых солнцем...
Подсолнухи я хотела написать давно и эту первую пробу считаю вполне удачной. Не слишком мелко, чтобы все слилось в одно пятно, не слишком крупно, чтобы прописывать все детали. Я использовала кадмий желтый светлый и средний, более темные участки проработала оранжевым, светлые - лимонным, а кое-где наносила сразу несколько цветов в мазке. Мне нравится такой подход, с одной стороны, он дает интересный живописный эффект, передавая вибрацию света на предметах, с другой, это раскрепощает художника.
Отдельно хочется упомянуть ствол платана на втором плане. Впервые платаны появились в "Цветочном рынке", но там они слишком мелкие и стволы написаны достаточно обобщенно. Здесь же размер позволил выписать ствол более детально, передать фактуру коры. Эту часть работы я выполнила мастихином.
Считаю, что поставленную живописную задачу я решила. У картины есть и настроение и колорит.. и мадам в затейливой шляпке:)
Холст на подрамнике 24х30см Продается (цена договорная)

мая 29, 2008

Какого цвета было небо для древних греков?

Цвета бронзы. Да-да, именно такой ответ на этот вопрос приводится в книге С. Фрая «Книга всеобщих заблуждений». Но почему же именно бронзового? Ведь цвет бронзы не имеет ничего общего ни с голубым, ни с серым, ни с синим, он вообще к цвету неба не имеет никого отношения. Парадокс! И именно он подвиг меня на более глубокое исследование вопроса. В конце концов, может, господин Фрай просто пудрит читателям мозги, или, может, у древних греков глаза были как-то иначе устроены, или это просто оборот речи, который надо понимать не буквально, а в переносном смысле.
С начала прошлого столетия было написано немало трудов о концепции цвета в древности. Что касается Древней Греции, то основная часть исследований основывалась на литературном материале, а именно поэмах Гомера и философских трактатах.
Среди наиболее крупных работ можно выделить книгу У. Глэдстона «Гомер и Гомеровская эпоха» («Homer and the Homeric Age») и исследовательскую работу К. Мюллера-Боре.
Основой причиной споров и расхождений является своеобразная манера передачи цвета в поэмах Гомера. Ее особенность заключается в сравнительно редком упоминании конкретных названий цветов, и характеристике предметов с позиций формы и модальности света и темноты.
У Гомера встречаются лишь два слова, которые обозначают цвет в привычном для современного человека смысле: leukos – белый и melas – черный. Но чаще эти слова являются указанием на нечто светлое и темное.
Белый цвет лучше любого другого отражает свет и таким образом выражает собой парадигму яркости. Черный же является его антиподом. Из анализа текстов поэм видно, что при описании окружающего мира, предпочтение отдавалось таким характеристикам как яркость, блеск, светлота и темнота, а не абстрактному цвету. Это отражается и в небогатом словарном запасе для передачи цвета. По сравнению с современным, он содержал очень мало терминов эквивалентных нашему цветовому тезаурусу. Эта ограниченность и породила две теории о цветоразличении и цветовосприятии у древних греков.
Глэдстон объяснял редкое использование древними греками абстрактных цветовых терминов лишь частичным развитием органов различения цвета. Его точка зрения в некоторой степени совпадала с получившим распространение в XIX веке мнением, что греки как нация страдали одной из форм дальтонизма. Мнение это возникло на основе спекуляций связанных с теорией Дарвина. Но оно, как собственно и предположение Глэдстона, является ошибочным, что в дальнейшем было научно доказано.
Мюллер-Боре, напротив, полагал, что невнимание к абстрактному цвету, это ничто иное как литературный прием и своеобразная черта эпического стиля, а вовсе не проблема физического цветоразличения.
Но обе эти теории могут быть подвергнуты серьезному сомнению. С одной стороны, редкое обращение к цветовому тезаурусу в тех случаях, где, по мнению современного человека, цвет должен играть ведущую роль, объясняется различным восприятием мира, а не физическим дефектом зрения (невозможностью различать цвета). Это отличное от нашего восприятие отражено в философских трудах. С другой стороны, весьма маловероятно, что в момент создания Гомером Илиады и Одиссеи в языке были какие-то другие формы описания цвета, кроме использованных в поэмах. Так как если бы таковые существовали, то они обязательно встретились бы в работах философов, чего не наблюдается.
Возвращаясь к Гомеру, хочу привести несколько интересных примеров терминов, которые тем или иным образом передавали цвет.
Eruthros. Можно определить как красный. Слово это употреблялось только в отношении бронзы, нектара богов и вина. Оно не применялось в отношении крови (что кажется совсем нелогичным, т.к. кровь самая что ни на есть красная). Однако, произошедшие от того же корня глаголы erutho и eruthaino (краснеть) всегда употреблялись в связи с кровью. Сама же кровь описывалась как melas (черный).
Glaukos. Серый или синий. Слово употреблялось в отношении моря и глаз. Так в Илиаде, Патрокл, осуждая отказ Ахиллеса воевать, говорит: «лишь серое море (glauke thalassa) с его крутыми скалами могло породить такого безжалостного как ты». Суровость моря хорошо передается словом серый. Но в виде эпитета употребляемого по отношению к воинствующей Афине, glaukos по-видимому следует понимать как относящееся к жестокому блеску ее глаз.
Polios. Употреблялось в отношении седых волос, моря, железа и светлой окраске волчьей шкуры, из чего можно заключить, что как слово выражающее цвет оно близко к белому.
Porphureos – пурпурный. Применялось по отношению к радуге, окрашенным тканям (одежда, ковры), но также и к бурному морю, волне бушующей реки, крови и смерти.
Ioeides дословно переводится как «подобный фиалке» (сложные слова такого вида достаточно часто применялись Гомером для описания цвета).
Особый интерес представляют труды древнегреческих философов, посвященные цветам. В этих работах раскрывается своеобразная и совершенно непохожая на нашу концепция мироустройства, а, следовательно, и цветовосприятия.
Хочу обратить внимание на разницу между различением и восприятием цвета. Под различением понимается физическая способность отличать один цвет от другого, например, синий от зеленого, а восприятие – это способность понимать и использовать цвет как выразительное средство в живописи, литературе, ораторском и сценическом искусстве.
Возвращаясь к философским работам, ниже привожу некоторые наиболее интересные аспекты цветовых концепций различных философов V-IV в. до н.э.
Демокрит выделял четыре основные цвета: leukon (белый), melan (черный), eruthron (красный) и chloron (желто-зеленый) – остальные цвета получались смешением выше указанных.
Красный + Белый (дает яркость) = Золотой и Бронзовый
Белый (дает яркость) + Черный + Красный = Пурпурный или Красно-пурпурный
Черный + Желто-зеленый = Синий
Пурпурный + Синий = Травянистно-зеленый
Синий + «Огнеподобный» = Индиго
Желто-зеленый + оттенок индиго = Коричневый

Особенностью теории Демокрита является то, что leukon-белый не бледнит смешиваемые с ним цвета, а наоборот придает им яркость и металлический блеск. Chloron может трактоваться и как желтый, и как зеленый, т.к. иногда это слово означает «свежий» в отношении зелени, а иногда используется в отношении мёда.
Перечень цветов Платона схож с перечнем Демокрита, но вводится дополнительное понятие lampron – яркий. Схемы смешивания основных цветов для получения дополнительных выглядят еще более запутанными, чем у Демокрита. Наиболее же интересным является введение понятия яркости и блеска lampron (это же встречается и у Гомера).
Теория Платона гласит, что в различении цвета задействованы «ясный огонь», излучаемый глазами наблюдателя, и огонь, исходящий от предметов. Цвета – это пламя или свет испускаемый предметами. Leukon, eruthron и lampron – это виды излучения, а melan, соответственно, темнота или отсутствие излучения. Результатом взаимодействия всех этих излучений является «единая однородная субстанция между глазом и предметом, по которой передается информация о предмете».
Теория Аристотеля наиболее сложна и запутана из всех. Первостепенным условием зрения по Аристотелю является активированная прозрачная среда, под которой подразумевается, например, воздух при дневном свете. Цвет приводит эту среду в движение, которое мгновенно достигает глаза.
Свет – это «цвет прозрачности», т.е. прозрачной среды. Цвета предметов являются результатом наличия в их телах «прозрачного». Главными цветами являются черный и белый, остальные цвета получаются путем их смешивания. Аристотель приводит перечень из семи цветов: белый, черный, золотисто-зеленый, малиновый, пурпурный, травянисто-зеленый, индиго и говорит, что количество цветов в природе ограничено.
Рассуждения Аристотеля отличаются от остальных теорий тем, что в них, наконец, появляется интерес к цвету как таковому, а не к яркости или блеску. Такое восприятие является для нас более близким и понятным. Но ранний гомеровский период представляет интерес именно своей особой, контрастирующей с современной, позицией восприятия окружающего мира и соответственно его описания.
Заметка написана по материалам из книги С. Фрая «Книга всеобщих заблуждений», и электронных источников:
http://www.library.umass.edu/benson/jbgcalt.html#jbgc2
http://www.psyinst.ru/library.php?part=article&id=1285

мая 14, 2008

Экс-Ан-Прованс. Цветочный рынок.


Аллеи из старых платанов, множество старинных фонтанов, церквушек, узкие улочки и уютные площади, частные садики и городские скверы… Здесь древность прекрасно уживается с современностью, историческое наследие с тенденциями будущего. Экс-ан-прованс - это город воды и искусства.
Тут есть рестораны и кафе, манящие ароматом своих яств, модные бутики и даже антикварный «блошиный» рынок, куда стекаются любители старины со всех концов Франции. Самое, пожалуй, популярное место – кафе des Deux Garcons, посетителями которого в разное время были Золя, Жирардо и Кокто. Именно в этом городе родился Поль Сезанн, всю жизнь воспевавший его удивительно сочные пейзажи и окрестности.
Экс-ан-Прованс - город, неспешный провансальский ритм которого затягивает всех, от мала до велика. Его можно смело назвать городом «сезонов». Сезон спаржи и клубники сменяет здесь сезон цветения вишен, персиков, миндаля и лаванды, а сезон дынь и винограда предвосхищает следующий – морепродуктов. И все эти богатсва россыпями, пучками, букетами и горами ложатся на рыночные прилавки Экса.
Рынки - это своего рода изюминка Экса. Количество рыночных дней едва ли не больше, чем всего дней в неделе. Овощной, книжный, цветочный, антикварный, блошиный - они наполняют город красками, звуками, пряными и волнующими ароматами.
Писала эту картину на удивление без мук. Как только на холсте возникли платаны и букеты цветов, они, будучи еще даже толком не проработаны, сразу как будто вдохнули жизнь в картину. И всякий раз, когда я бралась за дальнейшую работу над ней, настроение поднималось само собой, а заканчивать сеанс совершенно не хотелось:) Детали придумывались сами собой: и популярные в Европе велосипеды, и желтый букет у модной француженки, и кошка, предостерегающе выгнувшая спину, при виде задиристого скотча, (скотч-терьеры забавные собачки, и я опять не удержалась:). На мой взгляд, работа получилась солнечная и соответствующая настроению и облику Экса-ан-Прованс, который меня и вдохновил на нее.
Холст на картоне, темпера, 25х30см.
Работа находится в частной коллекции (Россия).

мая 07, 2008

Твой синий, мой синий...

Не задавались ли вы когда-нибудь вопросами из серии, «таким же синим видится этот предмет моему соседу, каким он видится мне; один ли и тот же цвет мы себе представляем думая о бежевом»? Может кому-то это покажется забавным, но у меня в детстве, да и потом тоже, возникали такие вопросы, особенно когда мой папа идентифицировал какую-то вещь как зеленую, а я как синюю. Поводом для углубления в эту тему стала глава книги Стивена Фрая (Stephen Fry)*, где обсуждался вопрос о том, какого цвета было небо для древних греков. Ко всему этому добавился эпизод, когда мы с моим преподавателем живописи выясняли, что каждый из нас понимает под цветом индиго. Все это подтолкнуло меня к более детальному изучению вопроса цветовосприятия и цветоразличения.
К настоящему моменту я прочитала несколько статей и научных работ по данной теме, значительная часть материалов на английском языке, но есть и работы отечественных специалистов. Изучение ведется нейрофизиологами, лингвистами, антропологами, культурологами, психологами и другими специалистами. Но чем больше я погружаюсь в данный вопрос, тем очевидней становится, что он как и многие другие сложные явления находится на стыке наук, и было бы некорректно анализировать его исключительно с позиций нейрофизиологии или только лингвистики.
Стартовой точкой большинства исследований является утверждение «если в языке нет соответствующего слова для обозначения цвета, то этот цвет не воспринимается в тех или иных сообществах», дальше идут эксперименты и споры об интерпретации их результатов.
Думаю, нет смысла пускаться в пересказы прочитанного материала (желающие смогут обратиться к первоисточникам по ссылкам, их я непременно оставлю). В блоге я хочу привести лишь то, что, на мой взгляд, является интересным: некоторые факты, исследования и результаты экспериментов. Видимо мои изыскания в этой области выльются в несколько статей, т.к., во-первых, не хочется очень длинных постов, во-вторых, не стоит все валить в одну кучу и, в-третьих, я все еще изучаю вопрос.
Продолжение следует...
* Стивен Фрай (Stephen Fry). Книга всеобщих заблуждений (The Book Of General Ignorance). Фантом-пресс, 2008г.

апреля 23, 2008

Трамвая дребезжание...

У каждого города есть свой голос. Голос Лиссабона – это дребезжание трамваев. Они такая же неотъемлемая часть городского колорита, как двухэтажные автобусы в Лондоне или гондолы в Венеции. Трамваи в португальской столице появились больше ста лет назад, и с тех пор их облик почти не изменился, разве что добавилась яркая реклама на бортах. Маршрут номер 28, наверное, самый знаменитый из всех. За полчаса, петляя словно заправский слаломист, из старинного района узких романтичных улочек Алфама трамвай спускается в Эштрел – район, где причудливо сочетаются современные высотные здания и памятники средневековья. Нетренированным ногам в Лиссабоне будет тяжко: не город, а сплошные "американские горки", крутые подъемы и холмы. Но трамвай «знает» все местные хитрости. Рельсы скрипят, вагоновожатый в фуражке дергает ручку, 28-й трогается с места и пассажиры хватаются за поручни…
Пока писала эту улочку, словно сама побывала в Лиссабоне. Сейчас, когда смотрю на законченную работу, особенно греет душу то, что удалось передать солнечное настроение южного приморского города, ощущение беззаботности и какой-то детской радости от летнего денька, от возможности прокатиться на трамвайчике.
Работа продается.
Темпера. Холст. 25Х35см.
Цена 7000руб
.

апреля 15, 2008

О выставке акварели школы С. Андрияки

«Выставка акварели» - эта фраза вызывает вполне конкретную визуальную ассоциацию. Тут же представляется полупустой зал с небольшими (максимум 40х50см) бледненькими пейзажами эпохи галантного века. Живое воплощение этой ассоциации выставка английской акварели XVIIIв. в Двенадцатиколонном зале Эрмитажа. И кто бы мог подумать, что акварель может быть совсем иной. А ведь закрадывается червячок сомнения, когда отрываешь коробку с акварельными красками и видишь яркие, сочные, чистые цвета. Но вверх берет распространенное мнение, что акварель должна быть тонкая, полупрозрачная, если не сказать, бледная. И все же она бывает другой…
Итак, мои впечатления. Впечатления не профессионала, но человека интересующегося живописью.
Я побывала на выставке два дня назад, но не стала писать сразу, т.к. хотелось немного успокоиться, осмыслить увиденное и сказать уже что-то содержательное, а не только междометия. И, тем не менее, это все равно по большей части сплошные междометия и восклицания. Да, поражает многое: и размеры картин, и сочные, словно подсвеченные, цвета, и буквально осязаемая реалистичность предметов. И все эти чудеса сотворены лишь с помощью бумаги, коробки акварели и рук Мастера. Да, Мастера именно с большой буквы. А как еще можно назвать человека, обладающего не только несомненным талантом в живописи, но и колоссальной работоспособностью; человека, который, достигнув успеха, продолжает не просто идти вперед, но еще и делится достигнутым. На выставке огромное количество работ Сергея Николаевича, но не меньше места занимают работы учеников и педагогов его школы. Многие из этих работ отличаются индивидуальной манерой исполнения, в них присутствует авторский стиль, но все они, несомненно, объединены одной школой. На мой взгляд, художник становится Мастером, только когда у него появляются ученики.

Возвращаясь к выставке, хочу рассказать, что больше всего поразило лично меня. Впечатлений много, хочется говорить обо всем и сразу. Пожалуй, самые яркие воспоминания оставляют букеты и натюрморты. Пышные шары хризантем, махровые ветки сирени, роскошные пионы, изящные ирисы и тюльпаны, ветки экзотических орхидей и очаровательные в своей простоте полевые цветы. Его букеты свежие, словно только что срезанные. Смотришь на картину и бессознательно пытаешься уловить в воздухе аромат живых цветов. Натюрморты – гимн изобилию. Фрукты, овощи, ягоды, цветы, атласные и бархатные драпировки с кистями и бахромой все это буквально осязаемо. Тут вспоминаются фламандские натюрморты, изобильные и насыщенные цветом. Но фламандцы писали маслом, и как известно именно переход от темперных красок к маслу дал возможность столь реалистично передавать фактуру тканей, стекла и металла. А здесь вся сочность фруктов, фактура кожуры, тяжесть и переливы бархата, хрупкость фарфоровой вазы переданы акварелью. И натюрморт этот ярок и реалистичен, как если бы он был написан маслом, но в нем есть неповторимая акварельная легкость и свежесть.
Но кроме цветов и натюрмортов на выставке представлено много пейзажей. И то ли яркость букетов так оглушает, то ли просто сложно пережить столько впечатлений сразу, но на пейзажи обращают меньше внимания. А зря!
Оказавшись на выставке второй раз, я начала именно с пейзажей. Пейзажи у Андрияки разнообразные огромные и крошечные, зимние и летние, утренние и вечерние. Но на каждом из них передано то особое, узнаваемое состояние природы, присущее ей в тот или иной час, в то или иное время года. Мне кажется, именно в пейзажах Андрияка раскрывается как очень тонкий колорист. Есть в его акварелях что-то родственно с картинами Куинджи. Малиновые с рыжими всполохами закаты и полупрозрачные обрывки облаков, висящие среди горных пиков. Он тоже пишет свет. Но если Куинджи занимался вполне целенаправленными экспериментами, то Андрияка просто пишет, что считает красивым. Пишет, что видит, и в этом прелесть его работ. Они прекрасны в своей простоте.
Но это простота и виртуозная легкость плод большой предварительной работы. Рядом со многими работами висят карандашные эскизы. Именно на них строится и оттачивается композиция, размечается цветовое решение. В дальнейшем эти эскизы используются как краткий конспект для работы над картиной.
Я не буду углубляться в особенности живописной техники Андрияки, не в этом моя задача, да боюсь, что и знания мои тут не слишком глубоки. Но на мастер-классе меня впечатлили точность его руки, его умение работать сразу акварелью без карандашного наброска. Он строил композицию и писал даже не по памяти, а просто фантазирую по ходу работы, но при взгляде на законченный пейзаж казалось, что это непременно должно было быть написано с натуры. Какая же цепкая память и натренированный глаз должны быть у человека, чтобы он помнил, как выглядят вода и деревья ранней весной в солнечный день, когда смотришь на них против солнца.
Подводя некоторый итог, могу сказать лишь то, что еще ни на одну выставку, какой бы интересной она ни была, я не ходила дважды. В этот раз после первого просмотра я испытывала непреодолимое желание, я бы даже сказала необходимость, увидеть это еще раз. И я не одинока в этом желание, многие приходят еще и еще. Есть у художника П.Н. Филонова картина под названием «Квинтэссенция весны», так вот эта выставка для меня квинтэссенция восторга.
В статье использованы изображения картин С.Н. Андрияки с сайта www.andriyaka.ru

апреля 07, 2008

Мягкие игрушки. Серия для детской.


Все дети любят игрушки,.. и не только дети. Я до сих пор не могу расстаться с моей коллекцией медвежат, котят, собак и других пушистиков:) Некоторые из них и послужили моделями для этой серии. Идея создания нескольких работ с мягкими игрушками витала в воздухе уже давно и окончательно оформилась при виде горы "пушистиков" в комнате моей маленькой кузины.
Мне кажется, рисунки будут удачно смотреться в интерьере детской комнаты, дополняя атмосферу уюта, радуя и развлекая малышей. Все три работы выполнены пастелью в теплых, светлых тонах. Зверушки пушистые и добродушные.
Кроме всего прочего эти рисунки могут подтолкнуть малышей к самостоятельному творчеству, подарив идею создания портретной галереи своей собственной коллекции мягких игрушек.
Серия включает в себя три работы: Котенок, Зайчик, Медвежонок. Все работы оформлены в застекленные деревянные рамы и паспарту, что придает им законченную форму и предохраняет от повреждений. По желанию покупателя рамы могут быть выполнены из темного или светлого дерева. Размер оформленной работы 40х30см.
Цена серии 3000 рублей.
Это приятный и необычный подарок для малыша и его родителей:-)